La Parte veinte de las comedias de Lope de Vega Carpio vio la luz en enero de 1625, apenas medio año después de que se publicara la Parte decinueve. El ágil ritmo de publicación evidencia el intento de Lope de que su imagen, como escritor, se mantuviese muy viva. La publicación manifiesta, además, el interés que tenía en conseguir uno de los cargos de cronista en la corte. Esa es la razón por la que la Parte se abre con un prólogo al lector, que hace las veces también de índice, en el que se reivindica el valor de la historia como materia dramática. En consonancia con ello, las obras publicadas son, en su mayoría, tragicomedias y dramas históricos de diversa índole: de materia antigua (Roma, abrasada), de tema americano (Arauco domado), sobre la historia de España (El mejor mozo de España), en relación con las hazañas de diversos soldados (El valiente Céspedes, Pobreza no es vileza), a propósito de la política europea (El rey sin reino, La ventura sin buscalla) o simplemente de materia inventada (La discreta venganza). Junto a ellas, Lope demuestra una vez más su dominio de la comedia mitológica (El marido más firme), urbana (Lo cierto por lo dudoso), palatina (El hombre, por su palabra) y bizantina (Virtud, pobreza y mujer).

Tomo 1:

La discreta venganza

Lo cierto por lo dudoso

Pobreza no es vileza

Arauco domado

La ventura sin buscalla

El valiente Céspedes

Tomo 2:

El hombre, por su palabra

Roma, abrasada

Virtud, pobreza y mujer

El rey sin reino

El mejor mozo de España

El marido más firme

"Barlaán y Josafat" cuenta las peripecias de un santo, Josafat, quien, apoyado por su anciano maestro, abandona el culto a los dioses paganos para abrazar la fe cristiana. Auténtica vida de un santo que, sin embargo, nunca existió como tal, pues Josafat no es otro que Buda, cuya historia había viajado durante siglos desde la India hasta Europa, cristianizándose en el proceso e integrándose entre los muchos relatos moralizantes que en la época servían a los creyentes de ejemplos de conducta y modelos de fe.

La Parte diecinueve y la mejor parte —así se anuncia en la portada— apareció en la primavera de 1624, casi dos años después de que Lope de Vega comenzara los trámites para su publicación junto con los de la Parte XVIII. El retraso, debido a una estrategia editorial para maximizar ventas, no afectó a la configuración de un volumen ambicioso, que refleja las aspiraciones cortesanas del Fénix y su orgullo como dramaturgo. De ahí que el prólogo dialogístico sea una apología de su dramaturgia, y las dedicatorias, dirigidas a hombres y mujeres cercanos al poder, alternen reflexiones sobre la historia con otras de índole literaria. Esta arquitectura paratextual acompaña a una muestra variada del teatro de madurez de Lope, que refleja su dominio sobre una pluralidad de géneros: comedias urbanas y palatinas (De cosario a cosario, Amor secreto hasta celos), dramas histórico-legendarios (La inocente sangre, El conde Fernán González, Carlos Quinto en Francia), dramas que beben de la tradición literaria (la bilogía Don Juan de Castro, la mocedad de Roldán), comedias religiosas (El serafín humano, La limpieza no manchada), una comedia mitológica (El vellocino de oro) y un drama palatino (El hijo de los leones).

Hay una vena misógina antiquísima, milenaria, que se pierde en la noche de los tiempos. Pero Lope se desmarca de ella. Porque las mujeres no fueron para Lope solo un radiante objeto de deseo, sino que virtudes que otros atribuían exclusivamente a los varones (prudencia coraje, osadía, inteligencia...) quedan encarnadas en muchas de las protagonistas de sus comedias. Y El alcalde mayor es su mejor ejemplo. Obra especialmente singular, porque, dentro de los cánones del nuevo teatro creado por el propio Lope, tiene a la mujer, Rosarda, como protagonista exclusiva, muy por encima del resto de los personajes.
"O el destino de una mujer que iba para casada..." rezaba el subtítulo original. Pero Rosarda, que, tras estudiar Leyes en la Universidad de Salamanca, gana un enredoso pleito en Valladolid, ante el más alto tribunal de justicia de España, y luego, en su Toledo natal, llegará a ser alcalde mayor de la capital del reino. Y ella, y solo ella, será quien decida sobre su propio destino.

• Edición del grupo PROLOPE al cuidado de Agustín Sánchez Aguilar.

• Incluye las obras:
Peribáñez y el comendador de Ocaña.
Fuenteovejuna.
El villano, en su rincón.
El mejor alcalde, el Rey.
La dama boba.
El perro del hortelano.
El caballero de Olmedo.
El castigo sin venganza.

• “Lope era mucho Lope”, concluye Agustín Sánchez Aguilar en su amenísimo prólogo a estas Comedias magistrales. En pleno Siglo de Oro, el dramaturgo sembró la polémica con una nueva forma de escribir teatro que gozaba de gran éxito entre el público, aunque fuese criticada desde el mundo académico. Los vigías de la alta cultura no entendían que sus obras contraviniesen las reglas aristotélicas que habían regido la escena desde siglos atrás y le pidieron que escribiese una disertación en defensa de su escritura. El resultado será el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (publicado junto a sus Rimas en 1601).
La nueva fórmula lopesca llenaba de nervio y dinamismo las tablas, conectaba con el público y enaltecía el lenguaje con los recursos de la poesía. Ahora lo trágico convivía con lo cómico y, frente a las antiguas leyes de unidad de tiempo y espacio, vemos a Lope agilizar sus obras con cambios continuos de escenario, mantener viva la intriga hasta el final y dilatar la acción en varios días. En aquellos momentos, la diversión del espectador era la que marcaba la pauta sobre el arte de escribir, por lo que no es de extrañar que el dramaturgo se ganara pronto el sobrenombre del Fénix de los Ingenios.
Aunque sabemos que escribió muchas más solo se han conservado alrededor de trescientas comedias, un repertorio inmenso del que hemos escogido ocho piezas consideradas magistrales por todos sus estudiosos. Algunas, como Peribáñez, estuvieron en el canon desde el principio mientras que otras hubieron de esperar siglos para ser apreciadas. Hablamos por ejemplo de El Caballero de Olmedo, redescubierta por Lorca, que la adaptó y representó con La Barraca.
Sin embargo, todas ellas revelan a un dramaturgo ingenioso y versátil que se maneja tan a gusto en la tragedia histórica como en la comedia de enredo, y que bebe en las fuentes más variopintas (pasamos de los tiempos bíblicos a la Galicia medieval, de la Grecia antigua al Toledo del rey Bamba). Mitos clásicos, fábulas caballerescas, crónicas e incluso refranes servirán, en fin, para que la imaginación de Lope engendre una nueva comedia.
En su teatro el romance cobra protagonismo, la figura del gracioso siembra el contrapunto cómico frente al galán y la honra se revela como fuerza omnipotente que determina los movimientos de los protagonistas.
En este sentido, Lope va un paso por delante porque considera que el honor también es asunto del pueblo (frente a la creencia tradicional de que solo pertenecía a los nobles). Así, en Peribáñez y el comendador de Ocaña (1605) elevará la figura del campesino como protagonista heroico que defiende la honra de su mujer ante los abusos del comendador e incluso logra el favor del rey, reconociendo la victoria del débil sobre el poderoso. Drama de honor villano que bordará en otras comedias como Fuenteovejuna (1612) o El mejor alcalde, el rey (1623).
Pero no menos poderoso se mostrará su ingenio en piezas como La dama boba (1613) que, bajo el molde de la comedia ligera, aborda temas tan sustanciosos como la educación de las mujeres (tantas veces les habían prevenido del peligro de la mujer cultivada) y la idea neoplatónica de que el amor refina el entendimiento. Lope teje y desteje hasta resolver en el último momento el lío con un solo tirón del hilo. Amor y honor que también cobran protagonismo en El perro del hortelano (1615), donde nuevamente rompe una norma social (el enlace imposible entre una noble y un plebeyo) en pro de la felicidad individual. O el amor y la muerte, en tragicomedias como El castigo sin venganza (1631) y El Caballero de Olmedo (1625), donde el autor parte de una coplilla conocida por todos, anticipando el aciago final del caballero desde el principio y jugando con la complicidad del público como nunca antes se había hecho en escena.
Tras la lectura de estas ocho comedias esenciales editadas bajo el excelente cuidado del Grupo Prolope, nadie podrá dudar de la astucia y ductilidad de Lope a la hora de diseñar la arquitectura dramática de una comedia, manejar las emociones del público y elevar el alma del espectador gracias a la altura poética que alcanzan muchos de sus versos.

• Félix Lope de Vega nació en Madrid, aunque de niño vivió en Sevilla. Estudió gramática con los jesuitas y se formó en las universidades de Alcalá y de Salamanca. Durante su vida mantuvo relaciones amorosas con varias mujeres, que aparecen en sus obras bajo diversos pseudónimos. La actriz Elena Osorio (Filis), fue una de las más importantes. Finalizado su romance, Lope es condenado a cuatro años de destierro por escribir unos poemas difamatorios contra la familia de Elena. Se instala en Valencia con su primera esposa, Isabel de Urbina (Belisa) y allí contacta con importantes dramaturgos de la escuela valenciana, en especial, con Guillén de Castro. Nuestro prolífico autor es considerado el creador del teatro nacional y de la llamada “comedia nueva”, cuyos principios recoge en el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609), primer manifiesto del teatro moderno. Sus composiciones rompieron con el teatro renacentista clásico, gracias al uso de la polimetría y al empleo de un lenguaje accesible al pueblo, creando un estilo propio que ha tenido una innegable influencia en la literatura española. Sus comedias crean arquetipos psicológicos característicos, como el rey, el villano, la dama, etc. y la figura del gracioso, contrapunto cómico del héroe grave, con antecedentes Plauto. Sus obras le convierten en uno de los genios de la literatura universal, siendo autor de, por citar algunas, El mejor alcalde el rey, Peribañez y el comendador de Ocaña, Fuenteovejuna o El caballero de Olmedo. Su producción teatral es básica para comprender el teatro barroco español y su influencia en figuras como Calderón, Tirso de Molina, Ruiz de Alarcón y otros.

Dentro de la producción dramática de Lope de Vega, esta comedia se enmarca en el llamado ciclo " de senectute " , comprendido entre 1627 y 1635. Se trata de un periodo convulso para el autor, quien, acosado por desgracias y enfermedades familiares, buscaba sin conseguirlo una relación de mecenazgo o un puesto en la corte. Uno de los rasgos más característicos de su producción de estos años es el cultivo de la materia palatina, a la que pertenece " La boba para los otros y discreta para sí " , una obra dotada de una comicidad más mesurada que la de etapas anteriores y de una ambientación basada en los conflictos que surgieron en el seno de la nobleza italiana por el ducado de Urbino, a principios del siglo XVI. En este desdibujado ducado italiano, a medio camino entre la fantasía y la historia, vive nuestra protagonista, Diana, una joven audaz y criada en el campo que, tras descubrir que es hija natural del duque de Urbino, se finge boba con el objetivo de reclamar el título de duquesa que le corresponde legítimamente. Para conseguirlo, tendrá que sortear las asechanzas de su prima Teodora, su rival en la carrera por el ducado, y actuar con astucia en una corte representada en la comedia como un nido de cortesanos codiciosos e hipócritas.

Sin lugar a dudas, " El acero de Madrid " pone sobre la mesa todos los arquetipos asociados a la comedia urbana. Un paradigma ejemplar que reuniría las cuatro características principales que se les presupone a estas obras: paisaje metropolitano, temática amorosa, contemporaneidad y un más que probable final feliz. " El acero de Madrid " establece como coordenadas de su acción dramática el tópico de la falsa opilada. Una tradición de nuevo cuño que no presentaba antecedentes clásicos, pero que estaba lejos de ser una innovación lopesca. Siendo justos, en realidad el Fénix se estaría sumando a una tendencia en boga que ponía el dedo en la llaga de un problema social. A lo largo de la obra se nos recuerda una y otra vez que la supuesta opilación de Belisa se erige como el verdadero motor de la trama, causa y respuesta a sus apuros sentimentales. A modo de parapeto poético, detrás de aquella invención habría una larga retahíla de poemas que se burlaban de aquellas doncellas que, fingiéndose enfermas, aprovechaban para perder algo más que la vergüenza.